Steve Levine y Gareth Johnson hablan sobre las anécdotas en las grabaciones

Hace poco, iFi Audio presentó su versión especial y mejorada de su modelo iDSD GR2, el modelo GR2 MT, aquí podéis leer la nota de prensa.

Entre los actos de campaña promocional, había un directo desde Londres que seguí con mucha atención. Debido a que mi nivel de inglés no es suficiente para seguir de forma fluida una presentación de este tipo, me he ayudado de herramientas de traducción, que no siempre dan el resultado deseado...

En la sección de Sector Cero tenemos la entrevista que le hice a Toni Paris hace un tiempo. Durante la presentación del producto, me vino a la cabeza de forma repetitiva esta entrevista y con los datos y demostraciones extras que se presentaron en la pantalla, acabé muy emocionado. Amar la música es una cosa y comprenderla un poco más es algo excelente. Gracias a personas como Steve Levine uno sube más, mucho más, su nivel de placer musical y capacidad de ir encontrando más y más detalles dentro de ese regalo que nos da la vida, que es poder escuchar música y vivirla.

La transcripción era larguísima y, durante muchos momentos, es imposible de seguir sin ver las imágenes; por lo tanto, lo que vais a leer es un texto editado y recortado para poder ser seguido con más o menos facilidad. Espero que lo disfrutéis tanto como yo. Es un pozo de conocimiento y tenemos que saber extraer de él todo su rendimiento.

La cocina de la magia musical

[Presentador]

Bienvenidos a World Heartbeat Studios, un estudio situado en el centro de Londres. Está justo al lado del río y muy cerca de la embajada de Estados Unidos. Y es un placer poder utilizar sus instalaciones esta noche. Un fantástico estudio de grabación con una sólida consola Set Logic, un precioso auditorio en el que nos encontramos esta noche con un sistema de sonido envolvente.

Y probablemente sea una de las mejores instalaciones aquí en Londres. La idea de la velada es que nos expliquen algunas de sus técnicas de producción musical y sus experiencias a lo largo del tiempo grabando a muchos artistas de muy alto nivel, así como trabajando con equipos de audio iFi. Y con ese fin, esta noche vamos a presentar un nuevo producto llamado GR2 MT, que significa Master Tune. Así que voy a estar acompañado aquí en el escenario por Steve, que nos ha ayudado con este proyecto.

Os hablaré un poco sobre algunas de las diferencias entre el GR2 estándar y el GR2 MT, y de cómo ha evolucionado hasta convertirse en este increíble producto. También nos acompañará otro colega, Gareth Johnson. Os lo presentaré más adelante. Otro miembro de M&M.

Steve trabajaba con esos artistas que recuerdo de cuando solía salir de fiesta, básicamente grupos como Culture Club, allá por mediados y principios de los 80. También ha trabajado con Gary Moore, un fantástico guitarrista de blues, y con muchos de esos artistas que quizá no conozcáis, pero que os encantarán. Más recientemente, has estado trabajando en tu propio sello discográfico, Baltic Gazz Recordings, en tu estudio de Liverpool.

NdE: En otros fragmentos menciona artistas con los que también trabajó, como Ringo Star y Stevie Wonder.

¿Sobre cómo descubristeis iFi y cómo ha cambiado vuestra percepción de cómo escucháis?

[Steve Levine]

Empecé con 17 años y al principio era técnico de cintas y tuve la oportunidad de trabajar con algunos artistas fantásticos. Así fue como acabé trabajando con The Clash y todas esas bandas, porque CBS llevaba a esos artistas al estudio para grabar maquetas. Pero siempre quise estar a la vanguardia de la tecnología de grabación, y eso empezó de verdad cuando los estudios de CBS pasaron de 16 pistas a 20.

Fortress incorporó un sistema de mezcla totalmente nuevo de MCI. Hasta entonces, todo era muy rudimentario y la forma de trabajar resultaba muy engorrosa. La primera vez que tuvimos el sistema MCI, que contaba con automatización, la calidad avanzaba realmente a pasos agigantados, y yo siempre quise encontrar formas de mejorarla. Además, siempre he sido un pionero de la grabación digital. Tenía una de las primeras grabadoras digitales y sentí que, cuando empezaron a estar disponibles para el sampling, siempre se podía ir más allá y exigir cada vez más. Mi primer contacto con ellos (Abbingdon Group) se produjo, de hecho, a través de otro de sus productos. Tenían una empresa llamada Silent Power y resultó que acababa de comprarme un sintetizador muy caro y, en cuanto conecté el cable USB, el ruido que hacía era espantoso. Y pensé que tenía que haber una forma de deshacerme de eso. Estaba a punto de pedir uno de esos dispositivos concretos cuando Graham me llamó y me dijo: «Eh, ¿has oído hablar de Silent Power?». Y le contesté: «¿Estás de broma?». Estaba a punto de comprar uno. Ese fue el punto de partida y me di cuenta inmediatamente de que podía limpiar mi señal de esa manera. Poco después, me hice con uno de sus primeros amplificadores de auriculares. Y, sinceramente, estoy acostumbrado a escuchar las cosas muy, muy bien. Y tengo unos auriculares estupendos. Pero me quedé totalmente impresionado con la diferencia en varios niveles, no solo en la percepción del sonido, en cómo se podían oír las cosas con mayor claridad. Sino también, estoy seguro de que, como todos los profesionales del sector, llevamos puestos los auriculares la mayor parte del día cuando hacemos este tipo de trabajo. Y probablemente son seis o siete horas.

Y la otra cosa, lo que noté fue que no me cansé tanto y creo que eso se debe a que la calidad es tan buena que realmente no sentí esa fatiga auditiva que se produce al escuchar de forma constante. Y luego, cuando se pusieron en contacto conmigo para decirme que el producto que estaba utilizando era de la generación anterior y me comentaron que, de hecho, estaban desarrollando un nuevo producto y que existe la posibilidad de ajustar el algoritmo.

[Steve Levine dialoga con Paul, el presentador y representante de la marca]

Sobre cómo el hecho de perfeccionarlos marca tanta diferencia. Lo siento, Paul, quizá nunca consigamos que nada sea perfecto. Así que tenía un prototipo y pude modificar el algoritmo; tú viniste a mi estudio y… ¿No fue así? Y por fin estuvimos escuchando la versión A y la versión B. Y creo que incluso tú te diste cuenta de que había… ¡Vaya!, es como si… ya sabes, nos centramos en un ejemplo concreto, hicimos una reproducción en streaming y estuvimos escuchando Spotify antes y después. Y la diferencia es bastante notable. Tengo que decir que incluso a mí me dejó alucinado y nos quedamos allí ajustando el algoritmo. Así que eso es lo que vais a escuchar más tarde: la versión final lanzada.

Para mi demostración de más tarde, la configuración que voy a utilizar es la siguiente: he transferido mi última grabación, que supongo que es una de las primeras en las que he utilizado los productos en toda la cadena, desde la ruta básica de la señal hasta el uso de los componentes de Silent Power en algunos de los sintetizadores.

Llevo ya algún tiempo con el prototipo, que he podido utilizar y con el que he podido escuchar la mezcla. También tiene la función para aquellos que son muy «anyrack». De hecho, puedes procesar el sonido directamente desde el ordenador. Y Miles tuvo la amabilidad de darme el cable adecuado para eso. Así que ahora tengo ese cable. Por lo tanto, puedes utilizarlo para procesar el sonido si quieres. Así que, cuando más tarde haga la demostración de esa pista, habré utilizado todos los elementos de la cadena de señal. Y mi configuración actual, como podéis ver aquí con el Apollo, es solo para la licencia de los plugins. No lo estoy utilizando para nada relacionado con el audio, pero quienes usáis el Apollo, tenéis que utilizarlo para tener la licencia de los plugins. Pero el audio viene directamente de la salida del portátil, a través del USB, que va allí y luego directamente al sistema de megafonía. Así que no hay nada en medio. Esa es mi configuración actual. Es un sistema portátil estupendo. Y, como he dicho, llevo bastante tiempo utilizando estos productos. Y estoy impresionado con la calidad de audio. De verdad que lo estoy.

Genial, pero no soy solo yo. Es que cuando me siento con un artista y estamos analizando minuciosamente el balance de un instrumento concreto, la imagen estéreo o algo así, y ellos lo escuchan en el mismo sistema, quedan igual de impresionados, y creo que, como productor, es una sensación fantástica cuando el artista disfruta de lo que estás haciendo, pero también te estás metiendo de lleno en los entresijos de un detalle concreto y eso marca la diferencia, porque creo que todo es emocional y, cuando tienes una mezcla final y el artista está realmente contento con cómo suena su voz —o si es guitarrista—, pero sabe cómo encajan los instrumentos, eso para mí es realmente muy satisfactorio. Así que ahí es donde estamos con esto y esto es más o menos todo.

[Presentador]

Como decíamos, el GR2 MT es lo que estamos utilizando hoy aquí como salida DAC principal del sistema de Steve y, en cuanto a los otros algoritmos de los que hablabas, no utilizamos DSP en nuestros sistemas. Todo gira en torno a la decodificación de la señal digital, pero no utilizamos el DSP. Así que creo que por eso suena como suena. Me gustaría presentaros a otro amigo nuestro, Gareth Johnson. Conocí a Gareth en los Metropolis Studios hace un par de años. Y, sinceramente, me dejó alucinado con lo que hacía. Es un músico consumado: toca la guitarra, el teclado y la batería. Y la última vez que estuve aquí contigo, me estaba hablando de dirigir una orquesta, y yo pensaba: «¿Hay algo que este tipo no sepa hacer?». Gareth trabaja mucho en televisión, en pistas musicales y producciones para televisión, etcétera, y ya sabes, en bandas sonoras para películas.

>

[Gareth Johnson]

Bienvenidos a mi charla TED. Me llamo Gareth Johnson, soy productor y compositor. Llevo toda la vida haciendo música; empecé, como la mayoría de nosotros, en grupos de música, y luego me monté un estudio y decidí que, en realidad, prefiero estar en el estudio a ir de gira en una furgoneta tocando las mismas diez canciones durante dos años. Así que dejé de salir de gira y me dediqué a la producción. Tengo 700 temas publicados en cine y televisión; llevo unos 20 años haciendo eso y, en paralelo, durante los últimos 20 años, también tenía un pequeño trabajo extra mezclando para los Hoos (?). Me encargo de todos sus lanzamientos en directo, películas de conciertos, ese tipo de cosas, y de todo lo relacionado con el vinilo. También trabajo con gente como Noel Gallagher, Kasabian, Suede y Lucky Tower. Me encanta la guitarra.

También he trabajado en el mundo del automovilismo. No sé si a alguien le interesa esto, pero en ONE Fórmula, que es como la F1 pero eléctrica. Trabajé con ellos antes de que tuvieran un coche diseñado para ocho temporadas, o en su paquete musical: todo lo que se oye en las carreras, todo lo que salía en la retransmisión televisiva, todo eso lo hice yo, y todo ese tipo de cosas. Aparte de eso, en el ámbito de la música rock he producido cinco álbumes orquestales puros en Abbey Road con la Royal Philharmonic, que se publicaron como música de producción para la empresa de Steve; trabajé en un montón de proyectos para Internet. Conocí a Miles porque estaba en Metropolis y yo soy usuario de altavoces PMC, unos monitores de gama muy alta; Miles tiene experiencia con ellos y me habló un poco sobre IFI.

Siempre he tenido la suerte de contar con una monitorización excelente y buenos convertidores y todo eso, pero Miles llegó con un par de productos y me di cuenta al instante; es decir, tengo como 32 canales que gestiono en analógico en mi estudio y entonces él llegó con la mesa de dos canales y pensé: «¿De verdad esto es tan malo?». Resulta que dos canales de un equipo increíble son mejores que 32 canales de algo realmente bueno. Así que empecé a trabajar con las unidades de la IFI, mezclando con ellas, y me quedé realmente… Es que son tan transparentes… Muchos de los equipos de mi estudio tienen un sonido muy «coloreado», ¿verdad? Así que quería un monitor y una mesa de mezcla realmente transparentes para saber que lo que oigo es realmente lo que oigo y no el sonido de algún equipo vintage molón, que es lo que son muchas de las cosas de mi estudio. Así que mezclé un disco de The Who en el Valkyrie, de hecho; hice el disco de The Who con una orquesta sinfónica completa, el proyecto Eden; era un CD de lanzamiento y mezclas «Sweet of Atmos», que empecé… Empecé con el Atmos de forma normal, pero luego me alejé de eso e hice una mezcla multicanal completa en una sala grande. Pero he descubierto que todo suena… es que es supertransparente y todo lo que he mezclado con él se reproduce realmente muy bien. Pero es superinteresante porque ahora tengo el Phantom; antes tenía el Signature. Y luego me hice con el Valkyrie y pensé: «Vaya, es bastante portátil, pero no es de esos que te metes en el bolsillo». Y luego salió esto.

Lo fantástico de cada nueva generación de productos es que noto mejoras graduales. Y cuando trabajas a este nivel, es ese último 5-10 % el que marca toda la diferencia. Es como la masterización, ¿sabes? Y se las han arreglado para meter en esta pequeña unidad muchas de las cosas que lleva el Valkyrie, como el códec K2, que es un procesamiento analógico japonés de alta fidelidad «a la antigua usanza». No soy tan técnico, pero sé que se nota al oírlo. Y luego está el «bit perfect», que uso mucho. Y también hay otro tipo de filtros que sirven, si quieres, para mejorar la calidad del audio. Y eso está muy bien, Phil, pero, a modo de referencia, he descubierto que básicamente lo tengo activado.

Y en mi otro bolsillo, solo para demostrarte lo pequeño que es, que es importante.

Llevo unos auriculares Audeze ahí, y los llevo siempre conmigo, lo que significa que tengo una referencia, un sistema de referencia adecuado para revisar las mezclas sobre la marcha. Y tiene unas funciones realmente geniales que me han resultado superútiles, así que si alguna vez has pasado tiempo en un estudio de grabación, la gente viene a trabajar contigo y te emocionas, y te dicen: «Oye, ¿puedo reproducir esto en mi móvil?». Todo esto se conecta a mi mesa de mezclas; tiene entrada Bluetooth, así que al instante consigo una reproducción bastante decente, de hecho, muy buena, desde los móviles de la gente, y no se puede subestimar lo práctico que es eso, porque facilita el proceso creativo: no tengo que andar buscando a ciegas un miniconector, ni me importa lo que traiga la gente, porque todo el mundo tiene Bluetooth, así que se conecta directamente a la consola, y si suena mal, puedo aplicar el upscaling. Pero ha sido fantástico, y yo tenía el Gryphon, que es como el antiguo mini-dac que tenían, que también es genial, y este es como aquel, pero potenciado al máximo. Así que estoy supercontento y, ya sabes, ya lo he integrado en mi flujo de trabajo. Y aunque el Valkyrie es un producto estupendo, este es más pequeño y, literalmente, me cabe en el bolsillo, así que siempre lo llevo encima. Así que os doy un pulgar hacia arriba por haberlo diseñado, y sí, seguid sacando más.

Ah, también debería dar las gracias a estos chicos: Silent Power no es ninguna broma. Es que uso un montón de hardware esotérico, tipo vintage, en mi estudio. Hay válvulas y todo tipo de cosas ruidosas que suenan de maravilla, pero, ya sabes, si tienes alguna, son muy susceptibles a la interferencia electromagnética y a otros ruidos. Los productos de Silent Power son tan, tan increíbles. Y es que, literalmente, lo enchufas y lo notas al instante. Pero he tenido un par de problemas con algunos equipos en los que solo había que arreglar los bloqueadores de CC para solucionar el zumbido del transformador de dial.

[Presentador]

Esta noche estamos aquí para celebrar de verdad el GR2 MT, que, en colaboración con Steve, hemos conseguido llevar lo que pensábamos que era un producto muy bueno a un nivel totalmente nuevo. Ya sabes, los filtros de los que hablabas, Garith. Hay dos nuevos filtros que Steve nos ha ayudado a desarrollar: uno para DSD y otro para la escucha estándar en PCM. Estas son algunas de las características que incluye. Incorpora la mayoría de las características que tiene el GR2 estándar.

Ya sabes, como ese K2HD, que se implementó a partir del trabajo con JVC en Tokio, donde su ingeniero de masterización dedicó muchas, muchas, muchas horas allá por los años 80 y principios de los 90 a estudiar cómo podían reconstruir la señal decodificada perdida cuando trabajaban con pistas de CD que, básicamente, tienen un «muro de ladrillo» a 44,1 K. Perdón, a 22 K. Sí, eso es algo excepcional. Es algo que solo IFI ha incorporado a su gama de productos. Nadie más tiene esa licencia. Lo que hemos hecho, básicamente, es que pensamos que podíamos ir un poco más allá, traspasar un poco más los límites con el GR2. Así que esta es una tabla comparativa entre el modelo existente, que sigue en venta. El GR2 estándar sigue en venta, pero el MT tiene un precio ligeramente superior debido a las características que incorpora. Así pues, hemos mejorado el sistema del amplificador principal. Hemos incorporado un amplificador operacional diferente, de mayor calidad, y lo hemos complementado con condensadores de muy alta resolución de KSI.

Además, estamos estudiando la posibilidad de añadir resistencias de tantalio para complementar el amplificador operacional. Así que, básicamente, es un producto similar al GR2 estándar, pero mejorado.

Cuenta con los filtros adicionales que Steve nos ha ayudado a desarrollar y, básicamente, lo hemos llevado un paso más allá en cuanto a potencia de salida y calidad de escucha. Eso es, en esencia, lo que ofrece el sistema. Aquellos de vosotros que ya conocéis el GR2 sabéis que evolucionó a partir del antiguo Griffin; el antiguo Griffin no tenía ningún tipo de interfaz de usuario, pero el GR2 MT, al igual que el GR2, sí la tiene: cuenta con una pantalla táctil, así que no es solo una pantalla que te indica lo que está pasando, sino una pequeña y agradable pantalla táctil con la que puedes acceder a todas las funciones, cambiar muy rápidamente el refuerzo de los auriculares, modificar esos filtros al instante, bloquearla si la llevas en el bolsillo para no tocar accidentalmente el control de volumen, etc. Así que es una interfaz muy chula, muy intuitiva de usar; no tienes que ir pasando por un montón de menús. Es un dispositivo estupendo, es de esos que «lo enchufas y ya funciona».

Steve os va a guiar a través de un proyecto en el que ha estado trabajando recientemente, una pista que ha estado mezclando con el GR2, y os explicará cómo la va construyendo y cómo la ensambla; básicamente, los aspectos prácticos para crear una buena pista de audio. Y después de eso, haremos una pausa y tendremos la oportunidad de escuchar estos equipos.

[Steve Levine]

Para los amantes de la música clásica, el K2 es fenomenal con ese género. Hace muchos, muchos años, cuando todavía era ingeniero, el famoso Mike Ross, que solía hacer tantas grabaciones de música clásica en los estudios de la CBS, tenía allí uno de los primeros sistemas, porque solíamos hacer muchas grabaciones de música clásica para las discográficas japonesas, y era Columbia, y, como dices, fue JVC quien desarrolló esa curva para algunos de los primeros sistemas digitales. Al escucharla, además de quedarme alucinado con una grabación digital por primera vez.

Sin el silbido de la cinta ni todo ese ruido. Esas curvas marcaban realmente la diferencia. Así que soy un gran admirador de esa curva en concreto. Y si tienes algún contenido con una rica orquestación, no solo música clásica, creo que ese plus armónico que se obtiene con ella suena realmente fantástico. Así que, si te gusta la música clásica o la música con una rica orquestación, es fantástico.

Como ya he mencionado, llevo un par de años trabajando con una artista llamada Jess E.D. Y esta canción en concreto, la compusimos hace más de un año. Y la dejamos un poco de lado. Estaba muy contento con la letra, pero no nos gustaba mucho el arreglo. Y un día, mientras miraba la previsión meteorológica, se me ocurrió una idea genial. Vi que iba a hacer sol. Esto fue más o menos por la octava ronda. Y pensé: «¿Por qué no hacemos una canción de reggae?». Hacía mucho tiempo que no hacía una canción de reggae. Así que pensé:

«Eso es lo que voy a hacer». Y ahora os voy a explicar el proceso. Esto se grabó íntegramente en mi estudio, se mezcló en mi estudio y, como he mencionado, tiene un toque analógico; y, bueno, ya sabes, algunas de estas nuevas recreaciones suenan fantásticas, pero en cuanto las acercas al móvil de alguien —ya sabes, si alguien lleva el móvil en el bolsillo—, puedes oír todo ese ruido de fondo, y el «Silent Pal»(?), ese dispositivo USB, es simplemente fantástico porque el USB resulta muy práctico para estos sintetizadores en general, ya sabes, porque no soy un gran intérprete. Así que, en mi caso, necesito tocar un poco con ellos, programarlos y pulirlos. Por eso necesito el USB, aunque me gusta la interfaz analógica del sintetizador; pero no soporto ese zumbido y ese ruido. Y eso era muy evidente en esta pista; de hecho, hay unos cuantos sintetizadores analógicos con toques juguetones del «Cork», la reedición del Cork Microquel, que suena absolutamente maravillosa, pero, como he dicho con lo del USB, es un poco ruidosa.

Os voy a explicar cómo monté esta pista. Como mucha gente, empezamos con una especie de bucle de batería; lo que hice fue distorsionarla por completo porque quería mantenerla en la mezcla final, así que este es el tipo de bucle de batería que utilicé, y usé algunos de esos efectos icónicos de la marca, que hacen este tipo de emulaciones de cinta vintage y compresión que lo distorsionan todo, así que pude mezclarlo con la batería propiamente dicha por encima, una combinación de programación y samples.

Y luego, una vez que lo hicimos, empecé con esto, ya sabes, capté este tipo de ambiente de la pista, y tenía que conseguirlo a toda costa, ya sabes, con las canciones de reggae. Probé todos los sintetizadores, probé todos los plugins, pero no conseguía ese golpe de bajo, así que al final pensé: «¿Sabes qué? Voy a pedirle a Jesse, mi bajista, que lo toque de verdad, porque suena mucho mejor que lo que yo hacía». Y es que en una pista como esta tienes que tener un bajo como es debido, así que esto es lo que pasó: él compró este bajo Precision en eBay, y está en muy buen estado. Y ahora tiene un bajo Precision vintage realmente genial, que todos usamos para esto. Luego hay un par de guitarras, ya que, al igual que en el reggae, necesitas que las guitarras hagan doble para conseguir ese sonido con un poco de vibración.

Un truco que Mikey, de Code Club, siempre me enseñó, que es un gran truco del reggae, un pequeño truco de producción que hay que tener en cuenta, es este:

Cuando tocas guitarras de reggae o teclados de reggae —y hicimos algo que no habíamos hecho antes, pero yo no lo sabía hasta entonces—, y cuando fui a Jamaica y conocí a Ziggy Marley, esos músicos me enseñaron muchísimo sobre lo importante. Bueno, en primer lugar, la importancia del tempo. Fíjate en el tempo de esa pista, es 138, pero ese no es el tempo que se oye, porque, como descubrí cuando trabajé en Jamaica, tienes que contar al doble de tiempo para que quede realmente perfecto, para conseguir esos patrones de hi-hat. Y en aquellos tiempos, cuando usaba Fairlights y cosas así, alcanzar esos tempos más altos con los primeros dispositivos era muy, muy complicado, pero tienes que usar el doble de tempo para conseguir todo, sobre todo cosas como el hi-hat, ya sabes, especialmente si los estás programando, para que la sincronización funcione realmente bien; al hacerlo al doble de tempo consigues… básicamente, el resultado correcto.

Para conseguir esas entonaciones, tienes que estar en doble tiempo, que es el truco que usa Mikey. Si escuchas el clarinete, verás que no es un compás recto, lo que demuestra su ingenio.

Hay que añadir esos pequeños detalles extra, y son precisamente esos pequeños detalles los que realmente lo hacen auténtico.

[Pregunta del público]

¿Cuántas de estas pistas tienes que grabar antes de empezar a introducir la voz? ¿Necesitas un momento de silencio?

[Steve Levine]

Esto varía de un proyecto a otro.

En este caso, la pista ya estaba completa cuando ella grabó las voces, porque no quería que hubiera metales. Ella cantó sobre mis metales simulados; solo utilicé Native Instruments para esbozar las notas, pero como no canta donde están los metales, en realidad no importa. Pero Jesse sí que grabó el bajo, así que ella tenía el bajo, y luego añadí ese pequeño punteo de guitarra para que captara la sensación, porque eso era muy, muy importante. Así que terminé la pista; bueno, después de que ella grabara las voces, hice algunos cambios en un par de rellenos de la batería —hay ese toque a lo Tim Barley— y quité un par de ellos porque quería que se la oyera con más claridad, así que siempre estás haciendo cambios; luego vinieron los metales y ella volvió para escucharlos; le encantan los metales.

[Pregunta del público]

En un momento dado hablabas de la automatización, tienes la panoramización y esas cosas, y eso me hizo pensar: cuando escuchabas con el GR2 en los auriculares, ¿lo hacías así para que fuera simplemente para alterar tu percepción del espacio estéreo?

[Steve Levine]

Sí, bueno, desde los 80 siempre he mezclado mis discos de la forma más estéreo posible. Incluso si trabajo con alguien como Martin, estoy haciendo discos con un sonido retro. No quiero que se hagan como se hacían en 1960. Quiero que se hagan ahora porque, cuando hice mi serie de radio, pude hablar con Holendosia Holland sobre sus grabaciones. Estaban traspasando los límites tan rápido como podían. Así que me encantan los discos con sonido retro, pero no voy a complicarme la vida y hacerlos como en aquella época. Ya sabes, tengo la edad suficiente para recordar cómo era la cinta. Al principio de una sesión era realmente horrible: había que ajustar la grabadora o, si hacías una sobregrabación en el Estudio A y luego pasabas al Estudio B, no sonaba igual porque esa máquina no estaba configurada de la misma manera. ¿Así que solo tenías 24 pistas en el centro de la fila? Bueno, al principio tenía 16 pistas, sí, y luego pasé a 24. Así que, ya sabes, no soy tan puntilloso con ese tipo de cosas. Quiero sacar lo mejor que pueda. Así que, ya sabes, da igual...

Para mí es muy importante que funcione para el artista y tener una buena relación y confianza con él.

[Presentador]

Bueno, pues tenemos una pregunta de Tyrone Bain, que dice: «En cuanto a la configuración de audio del ordenador al USB... No soy un experto en Mac, ¿el audio es bit-perfect o hay algún tipo de remuestreo?».

[Steve Levine]

Así que esto es de «ordenador a USB»: sale directamente del portátil a través de USB y va directamente al GR, así que no hay nada en la cadena en absoluto. No hay remuestreo ni nada de eso en el GR2. Pero el GR2 está configurado con los filtros correctos y esta multipista en concreto es de 48 kHz y 24 bits. Llevo un tiempo usando 48 kHz. A veces subo a 96, pero ya sabes, bueno, empezar con 96 en un portátil es realmente exigirle mucho, aunque tenga aquí una unidad OWC.

Es como si, en cierto modo, fuera mejor, pero también supone mucho trabajo cuando trabajas a 96k. El tamaño de los archivos es enorme y se convierte, ya sabes, en esa pequeña disyuntiva entre la producción y la calidad sonora. Hay algunas diferencias en ciertos instrumentos, pero en general, considero que la flexibilidad a 48/24 es perfectamente adecuada para lo que estoy haciendo en este momento. La excepción a esto es, muy a menudo, cuando estoy haciendo, por ejemplo, un programa de radio en directo o una grabación acústica que solo va a tener media docena de pistas, y en esos casos lo grabo a 24/96, porque no hacemos sobregrabaciones y los micrófonos de techo bastan; además, a menudo ya has captado la interpretación en la sala, así que también tienes la ambientación de la sala. Por eso, algunas de mis grabaciones en directo las hago a 96, pero en general, para este tipo de situaciones, para este tipo de cosas, me ciño a eso. Vale, entonces, para dar nuestra propia respuesta: sale directamente a 48/24.

[Presentador]

Nos llega otra pregunta. Dice: «¿Qué crees que aporta tu filtro exclusivo —el filtro exclusivo en el que trabajaste y al que diste carácter— al GR2MT respecto a la unidad estándar?».

[Steve Levine]

Bueno, tú y yo nos sentamos a escucharlo. La imagen estéreo, sin duda, era realmente muy, muy notable. Era como si se moviera un poco más así. Para mí, eso fue una de las cosas más notables, y en las pistas de referencia que estaba utilizando en ese momento, había algunos detalles como, por ejemplo, una de las pistas que escuché tenía un shaker con un tono muy agudo, y era como si mi oído estuviera más cerca del shaker. Así que supongo que los armónicos del shaker se percibían con claridad, pero definitivamente con una imagen estéreo y de delante a atrás. Es decir, si escuchas esta pista con auriculares, puedes oírlo. Aquí era difícil de percibir, pero la reverberación de muelles (spring reverberation) suena así, mientras que la pista estaba ahí. Así que es de delante hacia atrás.

Y de izquierda a derecha. Es casi como si fuera una experiencia inmersiva… Hay más aire. Sí, es como si fuera inmersiva, pero no es una experiencia inmersiva para mí.

[Presentador]

«Revista Amigos HiFi» pregunta: «¿Cuántas pistas de audio se pueden mezclar al mismo tiempo y que el oyente siga distinguiéndolas?».

[Steve Levine]

Bueno, esta pista tiene 135, pero, dicho esto, es porque… Ya sabes, por ejemplo, algunas de las percusiones… Recuerdo que tomé la decisión de poner la señal «seca» en una pista y la reverberación de muelles, porque tengo un montón de reverberaciones de muelles y no puedo usarlas todas a la vez, así que la caja tiene reverberación de muelles. Y luego ese pequeño «fill» de Tim Barley tiene una pista aparte; eso son dos pistas para crear, en esencia, un solo sonido, pero era así como prefería hacerlo. Y en este caso concreto no hice el bounce de sus coros. Así que hay cuatro de cada parte. Llega un momento, supongo que ya sabes, en el que acababa de estar remasterizando recientemente mi álbum de los Beach Boys de 1985. Y aunque originalmente estaba grabado en 24 y 48 bits digitales, gracias a la tecnología moderna pude utilizar todas las cintas de trabajo. Así que en una o dos de las pistas hay más que esto. Son cuatro lotes de 48, porque lo que puedo hacer es utilizar las bobinas que solo contenían las voces y las que solo tenían la percusión, y abrirlas todas. Y luego mezclar a partir de ahí, en lugar de lo que teníamos que hacer en aquella época, que era tomar decisiones a la hora de exportar, porque simplemente no teníamos las pistas. Así que no sé. Supongo que, en cuanto al sonido, el número de pistas depende de lo que oigas. Obviamente, habrá un límite en el número de pistas que puedas reproducir desde el disco duro. Quiero decir, este es un disco OWC, que es bastante rápido. Es de estado sólido. Es bastante impresionante. Así que se podía ver que no había ningún retraso en esto. Quiero decir.

Depende de tu hardware y de estos nuevos Mac que están saliendo al mercado, con los nuevos chips que, presumiblemente, ofrecen un rendimiento infinito. Quiero decir que lo que hemos visto hoy es increíble y los que estáis aquí tendréis la oportunidad de escuchar la pista que hay al fondo en el sistema a través de vuestros auriculares. Quizá resulte interesante para algunos comprobar cuánto de lo que hemos destacado en la pista podéis oír al escucharla.

[Presentador]

Mi última pregunta para ti es la siguiente: te dedicas a este negocio, escuchas las pistas de forma analítica día tras día y creas una pieza como esa. ¿Eso te quita el placer de la música porque cada vez que escuchas una pista piensas algo así como: «Ah, eso no se grabó bien» o «eso está mal» o, ya sabes, de modo que se convierte en algo en lo que no puedes simplemente disfrutar de la música?

[Steve Levine]

No, hay dos aspectos en esto. Por un lado, cuando estás trabajando en una canción concreta —y cualquiera que sea profesional en el estudio lo sabe—, al cabo de un rato te quedas como aturdido con ella. Y luego, incluso con la canción de Jess, estaba muy, muy contento con la mezcla. Y después la escuché en la radio y hubo un momento en el que se oía un pequeño toque de guitarra al final. Y, al escucharlo, pensé que podría haberlo subido un poquito más, pero hay que dejarlo pasar. Nunca se consigue el cien por cien, pero te acercas bastante. Pero cuando escuchas los discos de otras personas, los analizas con lupa. Oh, yo lo hago, ya sabes, te pones a analizarlo, pero la cuestión es que, creo, ya sabes, creo que algunos tenemos la suerte de tener un oído decente y, ya sabes, yo he protegido mi oído incluso en mis días de punk. Llevaba protección auditiva. Así que sigo teniendo un oído bastante bueno para mi edad. Es como cuando vas al gimnasio: si usas las máquinas, desarrollas los músculos. Creo que desarrollas un «músculo auditivo», y eso es algo un poco raro. Así que desarrollas lo que estás buscando al escuchar. Y es que, por ejemplo, si estoy haciendo sesiones en las que solo grabo la batería —la otra semana estuve en una sesión en la que solo grabábamos pistas de acompañamiento—, consigues una batería genial y te vuelves muy bueno en eso. Y luego, cuando vuelves a trabajar con O-Dubs, es como si nunca hubiera trabajado con un ordenador en mi vida.

Es como si te costara unos instantes ponerte al día, y si he estado fuera unos días, al principio estoy un poco perdido, pero en un momento te metes en la dinámica, aunque sin duda esto también pasa con la mezcla. Me encanta hacerlo de una sola vez, porque así te metes de lleno en esa dinámica.

Por ejemplo, cuando estaba mezclando «The Hashtags», y mencioné que Mick estaba escuchando, ya sabes, teníamos una rutina en la que yo preparaba la mezcla, él bajaba a la hora de comer, la escuchaba, y luego quizá alguno de los otros miembros del grupo bajaba, ya sabes, a las cuatro o así; todos le dábamos el visto bueno, nos la llevábamos a casa esa noche, la escuchábamos en el coche, en cualquier equipo de sonido, ya sabes, bueno, malo o indiferente, y luego, por la mañana, hacíamos los últimos retoques a esa canción, preparábamos la siguiente y así sucesivamente. Así que era un día y medio, pero no en horas, y eso se convierte en una rutina estupenda. De verdad que sí, y luego, quizá al llegar a la pista nueve o diez, piensas: «Voy a volver a escuchar la primera pista», y quizá haya aprendido algo o haya cambiado elementos en las últimas pistas que me gustaría incorporar.

Quiero decir, al final tienes que darlo por terminado, pero intentas hacerlo lo mejor que puedes.